PAAKAT: Revista de Tecnología y Sociedad

Previo a la pandemia, algunas de estas instituciones ya habían comenzado a diversificar sus servicios a través de medios digitales, mediante el streaming o la modalidad bajo demanda, cobrando una membrecía a sus suscriptores, o implementando el uso de herramientas digitales dentro de sus exposiciones y actividades. En 2011 el Metropolitan Museum of Art comenzó a cambiar su política, autorizó el uso de smartphones en sus galerías, se crearon aplicaciones y catálogos en línea que publicaban regularmente fotos de las obras del museo en Instagram (Martel, 2015).

Al año siguiente ya se anunciaba en el New York Times el proyecto Genoma para el Mundo del Arte,⁵ un extenso repositorio gratuito de imágenes de bellas artes que a la vez ofrecía una guía de apreciación del arte en línea (Ryzik, 2012). Por su lado, la Chicago Symphony Orchestra desarrolló su sitio web,⁶ parte de un media player y de una estación de radio, que pone a disposición del público recursos como Making Music, una guía de aprendizaje de música, Ingenuity Incorporated, una plataforma de educación artística para escuelas, y Artlook Map, un mapa interactivo de los lugares artísticos de Chicago (Martel, 2015 p. 260).

En esa misma secuencia, Soundbox⁷ es uno de los entornos híbridos creados por la orquesta arriba mencionada, descrita como una pequeña sala atrás de los bastidores. El espacio cuenta con un bar y proyecciones de video sobre las paredes que forman parte del escenario y preceden al espectáculo. La música vibra con fuertes latidos y cánticos que provienen de todos rincones, el concepto recrea a una catedral y luego a un club clandestino.

Durante la exhibición de proyectos experimentales en el Electronic Visualization and Art 2018, en Londres, una de las panelistas asistentes estableció una dinámica entre los participantes del evento, cuestionando el uso de nuevas tecnologías digitales basadas en aplicaciones móviles dentro de las salas de exposición en museos, esto con el objetivo de robustecer el contenido museográfico. Siguiendo esta línea, planteamos la factibilidad de llevar esas mismas tecnologías a las calles, es decir, a espacios públicos que posibiliten el inmediato y libre acceso al arte digitalizado.

Según Altamirano et al. (2020b) llevar las obras a sitios más allá de los muros (como ya lo ha conseguido el muralismo) puede ser una alternativa para la revitalización urbana, sobre todo en centros metropolitanos. Estas acciones de orden social, económico, cultural y de seguridad, pueden traer enormes beneficios a mediano y largo plazo, como aumentar la plusvalía de los espacios intervenidos, además de una fuerte carga de identidad.

Ejemplo de esto se realizó en el centro de São Paulo en 2019, donde el artista Felipe Yung “Flip”, plasmó su obra sobre las fachadas de diferentes edificios, creando así un acuario urbano que supera los 10 000 metros cuadrados. La iniciativa logró atraer a las personas hacia este espacio público, ofreciéndoles una completa experiencia sensorial, dado que el proyecto fue híbrido al crear una aplicación digital que permitiera a los usuarios visualizar la obra desde una inmersión 3D y una realidad virtual (Batschke, 2019).

La proyección multimedia es una herramienta capaz de brindar alcances significativos en la generación de emociones y en la interacción con la audiencia. Altamirano (2015) plantea que:

En ese sentido, la videoproyección o el videomapping como una nueva herramienta se apoya en “la utilización de tecnologías de proyección sobre objetos, irregulares o no, en los cuales se proyecta una virtualidad, video, animación o imagen; agregando una dimensión extra al objeto real y generando una ilusión óptica dinámica sobre el mismo” (Barber y Lafluf, 2015 p. 283). Esta proyección se logra con un software especializado que “mapea” dos o tres dimensiones del objeto, para después, haciendo uso de otras herramientas, controlar la proyección en tiempo real.

El videomapping también pude ser entendido desde la perspectiva de la realidad aumentada, esta permite al usuario ver el mundo real con objetos virtuales superpuestos o compuestos, es decir, objetos virtuales y reales coexisten en el mismo espacio, “lo que complementa la realidad, en lugar de reemplazarla por completo” (Azuma, 1997). En ese mismo sentido, Manovich (2008) considera este tipo de herramientas como un nuevo lenguaje híbrido entre la cultura y la imagen en movimiento, como una mezcla no solo de los contenidos de los diferentes medios, sino de sus técnicas, sus métodos de trabajo, sus formas de representación y de expresión, todos ellos, “unidos por el entorno común del software, el cine, la animación, la animación por computadora, los efectos especiales, el diseño gráfico y las tipografías” (p. 5).

En 2013, el Festival Internacional de Diseño y Artes Digitales Proyecta Oaxaca, México, fue el espacio para que artistas y diseñadores presentaran sus trabajos mediante instalaciones audiovisuales en un entorno natural del Jardín Etnobotánico ubicado en el centro de la ciudad. Los performances nocturnos fueron proyectados en piezas orgánicas vivas, sobre cactáceas y vegetación endémica del estado, por lo que la curaduría de esta propuesta enfatizaba la libertad del espacio a cielo abierto, sin bordes ni barreras construidas.

Otro ejemplo del uso de este recurso digital se dio en 2010, con motivo de la celebración del X Encuentro de Revitalización de Centros Históricos de México, y gracias a la Fundación Endesa, el Centro Cultural España en México, y al Instituto Nacional de Antropología e Historia de México; la Fundación Catedral Santa María fue invitada a aportar su experiencia en los proyectos realizados. Luces y Sombras en los Centros Históricos fue el título del ciclo de conferencias donde se presentaron proyectos que tomaron en cuenta las características físicas, históricas y sociales de cada zona, respetando la identidad de las ciudades, monumentos y los conjuntos históricos para potenciar la identidad de los ciudadanos con estos espacios considerados patrimonio cultural. Dicho congreso discutió la utilización y efecto de la iluminación artificial sobre el patrimonio natural y el construido, así como su uso y abuso, el impacto de las instalaciones eléctricas y lumínicas o la incorporación de proyectores como una estrategia mediática.

En representación de la Fundación Catedral Santa María,⁸ el técnico Óscar Muñoz relató las actividades del proyecto El Pórtico de la Luz, en el que se rehabilitó digital y arquitectónicamente la policromía del inmueble utilizando la videoproyección como la principal herramienta. Desde su creación en 1999, “esta fundación se ha comprometido con la restauración de este monumento, que se caracterizó por la aplicación de nuevas tecnologías compatibles para la conservación del patrimonio con criterios de compatibilidad” (Catedral Vitoria, 2009). Por ello, conceptos relacionados a la visualización tridimensional, la representación y gestión fueron parte de este proyecto.

El Pórtico de la luz se valió de un modelo en 3D utilizando la fotogrametría como base para el posterior desarrollo y estudios multidisciplinarios (Koroso & Muñoz, 2009). Así, toda la información compilada fue digitalizada y vinculada a un modelo cartográfico a la par de la creación de un Sistema de Información geográfica sobre el Monumento (SIM);⁹ en subsecuente, se realizó una serie de aplicaciones basadas en modelos de malla 3D, los cuales se aprovecharon durante el proceso de restauración y difusión pública.

Los estudios sobre este pórtico implicaron el uso de la fotogrametría para crear un modelado 3D al interior y exterior de la Catedral, de tal manera que se obtuvo una réplica exacta del monumento, permitiendo visualizar la distribución espacial de cada piedra y la distorsión de las piezas de dicha construcción.

En virtud de la videorreconstrucción gráfica fue posible la reproducción del pórtico en sus diferentes períodos. De este modo, dicen Koroso y Muñoz (2009): “El equipo de restauradores consiguió la integración cromática a través de la proyección de luces, las cuales correspondieron al color de los pigmentos y la cromatografía exacta de todas las muestras analizadas que se obtuvieron de los resultados de laboratorio, incluyendo el código de color correspondiente en CMYK” (p. 4).

Otro proyecto similar al antes descrito se dio en la iglesia y Museo Arqueológico del Carmo (MAC) en Lisboa, que implementó como parte de su exhibición permanente audiovisual animaciones y gráficos videoproyectados en la antigua sacristía del edificio. En esta, se reconstruyó la cronología histórica desde su edificación en 1389 como convento gótico medieval, hasta la actualidad que es un museo vivo. “El objetivo es que al final de la visita, si el visitante no absorbió toda la historia del edificio ofrecemos este videomapping para que cualquier duda que tenga se disipe”, apunta Celina Pereira, conservadora del MAC (Lusopress, 2020).

En el museo los interesados pueden conocer las técnicas arquitectónicas y artísticas de piezas nacionales en las que se destacan colecciones de pre y protohistoria, escultura y epigrafía, escultura medieval y moderna, colecciones exóticas, biblioteca histórica y azulejería. Eventualmente esta institución desarrolló Lisboa bajo las estrellas en 2018, un espectáculo inmersivo que llegó a ser premiado por los BEA World (Best Event Award) como mejor evento cultural:

Cabe resaltar que el edificio no cuenta con ningún tipo de cubierta, siendo este su principal atractivo. Por tanto, el espectáculo nocturno se concibe a cielo abierto tal como lo especifica el título del proyecto. Años atrás, se realizó en Manhattan, Nueva York, la apertura de Melissa, zapatería y galería con diseños exclusivos en la que se vincula el arte, diseño y moda. Esta tienda-concepto, nacida en São Paulo desde 2005, se caracteriza por valorizar al plástico en modelos novedosos de calzado, y propone atrayentes escaparates a partir de diversos materiales. La marca trabaja sobre tendencias y eventos en las capitales del mundo de la moda, reuniendo a expertos, arquitectos, diseñadores y artistas digitales para los montajes y ambientación de cada una de sus tiendas.

Para 2012 la sucursal en Manhattan expuso el trabajo del artista brasileño Eli Sudbrack, quién proyectó una instalación de video animado multicolor desde el plafón hacia el subnivel de la sala, al igual que sobre el muro del fondo, el cual siguió los trazos existentes de las texturas del muro, creando un efecto caleidoscópico con la sobre posición de tintes coloridos, psicodélicos e irregulares, muy al estilo pop; los gráficos simularon pinceladas y trazos sincronizados con la pista musical que amenizó al espacio. Cabe destacar que esta marca brasileña regularmente rediseña de forma creativa y conceptual el acceso principal de su sucursal en São Paulo, misma que propone piezas efímeras aprovechando la adecuada localización en un espacio público y abierto, de tránsito continuo, en una sección comercial de la ciudad, con productos variados de diseño nacional e internacional.

Por su lado, el Centro de arte y tecnología Eyebeam fundado en 1998, con oficinas y laboratorio en Chelsea, Nueva York, dedicado a la exposición de nuevas tecnologías y las artes; coloca a estas como un recurso importante en la producción cultural, al igual que centra a los artistas brindándoles el apoyo para interrogar y volver a imaginar qué puede significar la tecnología y para quién es esta. En 2012 exhibió al público en general el proyecto Lumarca, un montaje visual al interior de la galería en donde el artista de la información 3D, Albert Hwang, exploró la relación entre el ciberespacio y el cuerpo humano a través de códigos abiertos que generaron proyecciones dinámicas tridimensionales.

Lumarca fue una videoproyección volumétrica en 360 de Hwang y Matt Parker, que brindó a los espectadores imágenes en tres dimensiones y en movimiento. La instalación tan solo requirió hilo blanco sintético, un proyector, Java como procesador de lenguaje de programación, un Xbox Kinect y una computadora; en general fue una asequible realización con sorprendentes resultados. La superficie sobre la que se proyectó fue una estructura cúbica de aristas rígidas al interior, en sus caras se tensaron de piso a techo una serie de hilos en sentido vertical hasta conformar una pantalla tridimensional. En las cuatro caras del cubo se apreció el movimiento de los rayos lumínicos emitidos por el proyector colocado en la parte superior y frente a la instalación.

Este modelo tridimensional permitía ser recorrido alrededor del cubo y observado de forma periférica. La experiencia fue interactiva gracias al sensor de movimiento Kinect de la Xbox y al recurso sonoro sincronizado con los movimientos y cabios de tonalidades de las luces proyectadas.